Prokofiev S.S.: bestecinin biyografisi
içerik
1918'de Sergei Sergeevich Prokofiev, tüm arkadaşlarının aynı konuda notlar bırakması gereken bir albüm aldı: “Güneş hakkında ne düşünüyorsun?” Besteci yanlışlıkla seçmedi, çünkü güneş yaşamın kaynağı ve kendisi de tüm eserlerinde her zaman yaşamın şarkıcısı oldu.
Prokofiev'in nasıl bir besteci olduğunu eserlerinden biliyoruz ama nasıl bir insan olduğunu, neyi sevdiğini, neyi arzuladığını en iyi Otobiyografisinden öğrenebiliriz.
Sergei Prokofiev, Otobiyografi'nin ilk sayfalarında şöyle yazıyor: “Kayıt eğilimi çocukluğumdan beri bendeydi ve ailem tarafından teşvik edildi. Altı yaşında zaten müzik yazıyordum. Yedi yaşında satranç oynamayı öğrendikten sonra bir defter açtı ve oyunları yazmaya başladı; bunlardan ilki üç hamlede aldığım "çoban" eş. Dokuz yaşındayken, kayıplar ve hareket şemaları dikkate alınarak muharebe teneke askerlerinin hikayeleri yazıldı. On iki yaşındayken müzik profesörümün bir günlük yazdığını gördüm. Kesinlikle harika görünüyordu ve herkesten korkunç bir sır altında kendiminkini yapmaya başladım.
Çocukluk
Prokofiev, çocukluğunu, eğitimli bir ziraatçı olan babasının yönetici olduğu Sontsovka'nın (şimdiki Donetsk bölgesinde) mülkünde doğdu ve geçirdi. Zaten olgun bir adam olan Prokofiev, Sontsovo bozkır özgürlüğünü, arkadaşlarla bahçedeki oyunları - köy çocukları, annesi Maria Grigorievna'nın rehberliğinde müzik derslerinin başlangıcını zevkle hatırladı.
Söylentilere göre hala notaları bilmeyen çocuk piyanoda kendine ait bir şey çalmaya çalışmış. Ve esas olarak bunu “kendi” kaydetmek için notları öğrendi. Ve dokuz yaşındayken, Moskova'ya yaptığı bir geziden sonra ve duyduğu ilk operanın (Gounod'un Faust'uydu) izlenimi altında Seryozha, arsasını da kendisi icat ettiği kendi operasını bestelemeye karar verdi. Maceralar, dövüşler ve daha fazlasıyla üç perdede "Dev" operasıydı.
Prokofiev'in ebeveynleri eğitimli insanlardı ve tüm okul derslerinde çocuğun ilköğretimini kendileri aldılar. Ama tabi ki müzik bestelemenin kurallarını öğretemediler. Bu nedenle, oğlunu Moskova'ya her zamanki kış gezilerinden birine götüren Maria Grigorievna, onu genç besteci Reinhold Moritsevich Gliere'yi yaz için Serezha ile dersler için Sontsovka'ya davet etmesini tavsiye eden tanınmış besteci ve öğretmen Sergei Ivanovich Taneyev'e getirdi. .
Glière, Sontsovka'da iki yazı üst üste Seryozha ile takılarak ve onunla satranç ve kroket oynayarak geçirdi - artık bir öğretmen rolünde değil, daha yaşlı bir yoldaş rolünde. Ve 1904 sonbaharında, on üç yaşındaki Sergei Prokofiev, konservatuarda sınava girmek için St. Petersburg'a geldiğinde, alışılmadık derecede sağlam bir kompozisyon bagajı getirdi. Kalın bir dosyada iki opera, bir sonat, bir senfoni ve Gliere yönetiminde yazılmış birçok küçük piyano parçası - "Şarkılar" vardı. Bazı "Şarkılar" ses olarak o kadar orijinal ve keskindi ki Serezha'nın arkadaşlarından biri onlara "Şarkılar" değil "Köpekler" demelerini tavsiye etti, çünkü "ısırıyorlar".
Konservatuarda eğitim yılları
Konservatuarda Serezha sınıf arkadaşlarının en küçüğüydü. Ve elbette, onlarla arkadaş olmak onun için zordu, özellikle yaramazlık nedeniyle, bazen öğrencilerin her birinin müzik görevlerindeki hataları saydığı, belirli bir süre için ortalama rakamı çıkardığı - ve birçokları için sonuçlar hayal kırıklığı yarattı ...
Ama sonra konservatuarda, bir kazıcı taburunun teğmen üniformasında, her zaman çok kısıtlanmış, katı, akıllı başka bir öğrenci ortaya çıktı. Gelecekte tanınmış bir besteci olan Nikolai Yakovlevich Myaskovsky, Sovyet döneminde Moskova besteci okulunun başı oldu. Yaş farkına rağmen (Myaskovsky yirmi beş ve Prokofiev on beş yaşındaydı), aralarında ömür boyu sürecek bir dostluk başladı. Her zaman kompozisyonlarını birbirlerine gösterdiler, tartıştılar - kişisel olarak ve mektuplarda.
Kompozisyon teorisi ve serbest kompozisyon sınıflarında, Prokofiev genel olarak gözden düştü - kendine özgü yeteneği muhafazakar geleneğe çok saygısızdı. Prokofiev, bunun şaşkınlık veya tahrişe neden olacağını bildiğinden, öğretmenlere en cesur kompozisyonları göstermeye bile cesaret edemedi. Öğretmenlerin tutumu, Prokofiev'in beste diplomasında çok ortalama notlarda ifade edildi. Ancak genç müzisyenin yedekte bir uzmanlığı daha vardı - piyano - 1914 baharında bir kez daha konservatuardan mezun oldu.
Prokofiev daha sonra “Bestecinin diplomasının kalitesizliğine kayıtsız olsaydım,” diye hatırladı, “bu sefer hırsa kapıldım ve önce piyanoyu bitirmeye karar verdim.”
Prokofiev bir risk aldı: klasik piyano konçertosu yerine, henüz yayınlanmış olan kendi İlk Konçertosunu çalmaya karar verdi ve notları önceden denetçilere teslim etti. Konserin genç coşkuyla dolu neşeli müziği seyirciyi büyüledi, Prokofiev'in performansı bir zaferdi ve onurlu bir diploma ve Anton Rubinstein Ödülü aldı.
Yaratıcı etkinliğin sonuçları
Genç besteci Prokofiev'in yaratıcı enerjisi gerçekten volkanikti. Çok çeşitli tür ve biçimleri kapsamaya çalışarak hızlı, cesur, yorulmadan çalıştı. İlk piyano konçertosunu ikinci keman konçertosu, opera, bale, romanslar izledi.
S.S.'nin eserlerinden biri. Prokofiev özellikle erken dönemin özelliğidir. Bu, başarısız bale müziği temelinde oluşturulan "İskit Süiti" dir. Pagan tanrılarına ibadet, çılgınca "Kötülüğün Dansı", uyuyan İskit bozkırının sessiz ve gizemli resmi ve son olarak, göz kamaştırıcı final - "Gündoğumu" - tüm bunlar şaşırtıcı derecede parlak orkestra renkleriyle, seste kendiliğinden artışlarla aktarılıyor , enerjik ritimler. Işığına nüfuz eden süitin ilham verici iyimserliği, Birinci Dünya Savaşı'nın zor yıllarında yaratıldığı için daha da dikkat çekici.
Sergei Prokofiev, müziği her zaman tartışmalara neden olmasına rağmen, sadece yurtiçinde değil yurtdışında da bilinen bestecilerin ilk sırasına çok hızlı bir şekilde girdi ve bazı eserler, özellikle de sahne eserleri, yıllardır icra edilmeyi bekliyor. Ancak besteciyi özellikle cezbeden sahneydi. Mussorgsky'nin yolunu izleyerek, duyguların en ince, gizli tonlarını müzikal tonlamalarda ifade etme, yaşayan insan karakterleri yaratma fırsatı beni cezbetti.
Doğru, bunu oda müziğinde de yaptı, örneğin "Çirkin Ördek Yavrusu" vokal masalında (Andersen'e göre). Kümes hayvanlarının her biri kendi benzersiz karakterine sahiptir: sakin bir anne ördek, küçük hevesli ördek yavruları ve güzel bir kuğuya dönüşmeden önce herkes tarafından talihsiz ve hor görülen ana karakterin kendisi. Prokofiev'in bu masalını duyan A. M. Gorky, “Ama kendisi hakkında, kendisi hakkında yazdı!” Diye haykırdı.
Genç Prokofiev'in kompozisyonları şaşırtıcı derecede çeşitlidir ve bazen keskin bir şekilde zıttır. 1918'de "Klasik Senfonisi" ilk kez seslendirildi - eğlenceli ve ince mizahla ışıldayan zarif bir eser. Başlığı, sanki kasıtlı stilizasyonu vurguluyormuş gibi - Haydn ve Mozart'ın tarzının bir taklidi - şimdi bizim tarafımızdan alıntı yapılmadan algılanıyor: Bu, Sovyet dönemi müziğinin gerçek bir klasiği. Bestecinin çalışmasında, senfoni, daha sonraki eserlerine kadar çizilen parlak ve net bir çizgiye başladı - bale Külkedisi, Yedinci Senfoni.
Ve neredeyse Klasik Senfoni ile aynı anda, görkemli vokal-senfonik eser The Seven of Them, yine İskit Süiti gibi, en eski antik çağın görüntülerini canlandırarak ortaya çıktı, ancak aynı zamanda devrimci olaylarla bazı karmaşık ve belirsiz ilişkilerle bağlantılıydı. Bu dünyayı sarstı. 1917 Rusya ve tüm dünya. Yaratıcı düşüncenin "garip dönüşü" daha sonra Prokofiev'in kendisini şaşırttı.
Yurt dışı
Bestecinin biyografisinde daha da garip bir dönüş oldu. 1918 baharında, yabancı bir pasaport aldıktan sonra, kendisini uyaran arkadaşlarının tavsiyelerini dinlemeden Amerika'ya gitti: "Döndüğünde seni anlamayacaklar." Gerçekten de, yurtdışında uzun süre kalmak (1933'e kadar), özellikle kompozisyonunun yıllar içinde değişmesi ve genişlemesi nedeniyle bestecinin dinleyici ile temasını olumsuz yönde etkiledi.
Ancak yurtdışında geçirilen yıllar, anavatanlarından tam olarak ayrılmaları anlamına gelmiyordu. Sovyetler Birliği'ne üç konser gezisi, eski arkadaşlar ve yeni izleyicilerle iletişim kurmak için bir fırsattı. 1926'da, evde tasarlanan, ancak yurtdışında yazılan Leningrad'da Üç Portakal için Aşk operası sahnelendi. Bir yıl önce Prokofiev, genç Sovyet cumhuriyetinin hayatından bir dizi resim olan "Steel Hop" balesini yazmıştı. Komiser, Hatip, İşçi, Denizci'nin alacalı günlük eskizleri ve müzikal ve koreografik portreleri, endüstriyel resimlerle ("Fabrika", "Çekiçler") yan yana.
Bu eser sadece konser sahnesinde senfonik bir süit şeklinde hayat buldu. 1933'te Prokofiev nihayet anavatanına döndü ve onu kısa bir süreliğine bıraktı. Döndükten sonraki yıllar, belki de hayatındaki en verimli ve genel olarak çok üretken oldu. Eserler birbiri ardına yaratılır ve her biri belirli bir türde yeni, yüksek bir aşamaya işaret eder. Opera "Semyon Kotko", bale "Romeo ve Juliet", bestecinin bir oratoryo yarattığı "Alexander Nevsky" filminin müziği - tüm bunlar Sovyet dönemi müziğinin altın fonuna girdi.
Shakespeare'in trajedisinin planını dans ve dans müziği aracılığıyla iletmek - böyle bir görev birçok kişiye imkansız ve hatta doğal görünmüyordu. Prokofiev ona bale kuralları yokmuş gibi yaklaştı.
Özellikle, dansçıların eğildiği ve alkışlar için seyirciye teşekkür ettiği duraklamalarda baleyi bir dizi tamamlanmış sayı olarak inşa etmeyi reddetti. Prokofiev'in müziği ve koreografik eylemi, drama yasalarını izleyerek sürekli gelişir. İlk kez Leningrad'da sahnelenen bu bale, özellikle Galina Ulanova'nın eşsiz Juliet olması nedeniyle olağanüstü bir sanatsal etkinlik haline geldi.
Ve besteci tarafından "Ekim'in 20. Yıldönümü için Kantat" da tamamen benzeri görülmemiş bir görev çözüldü. Müzik bir belgesel metne dayanmaktadır: K. Marx ve V. I. Lenin'in makaleleri, konuşmaları ve mektupları içinde kullanılmıştır. Eser o kadar yeni duyulmuştu ki, kantat icrası için 20 yıl beklemek zorunda kaldı...
Farklı hikayeler, farklı türler...
Olgun dönem eserleri
Ancak, olgun dönemin eserlerine genel bir bakış ve onları ilkleriyle karşılaştırarak, genel eğilimi açıkça görebiliriz: yaratıcı düşüncenin önlenemez kaynamasının yerini bilge duruş alır, inanılmaz, masalsı, efsanevi olana ilgi gerçek insan kaderlerine ("Semyon Kotko" - genç bir asker hakkında bir opera), anavatanının kahramanca geçmişine (“Alexander Nevsky”, “Savaş ve Barış” operası), sonsuz aşk temasına ilgiyle değiştirildi ve ölüm (“Romeo ve Juliet”).
Aynı zamanda, Prokofiev'in her zaman karakteristiği olan mizah kaybolmadı. En genç dinleyicilere hitap eden masalda (bir okuyucu ve bir senfoni orkestrası için), şaka yoluyla birçok ilginç bilgi verilir. Her karakter bazı araçlarla karakterize edilir. Orkestra için bir tür rehber ve aynı zamanda neşeli, eğlenceli müzik olduğu ortaya çıktı. - bestecinin kendisinin dediği gibi "yeni bir sadelik" elde ettiği eserlerden biri, yani düşünceyi azaltmadan veya yoksullaştırmadan dinleyiciye kolayca ulaşan bir düşünce sunma biçimi.
Prokofiev'in eserinin zirvesi, operası Savaş ve Barış'tır. Rus tarihinin kahramanca sayfalarını yeniden yaratan L. Tolstoy'un büyük eserinin konusu, Vatanseverlik Savaşı yıllarında (yani opera yaratıldığında) alışılmadık derecede keskin ve modern olarak algılandı.
Bu eser, eserinin en iyi, en tipik özelliklerini birleştirdi. Burada Prokofiev, hem karakteristik bir tonlama portresinin ustası hem de kitlesel halk sahnelerini özgürce oluşturan bir muralist ve son olarak, Natasha'nın alışılmadık derecede şiirsel ve kadınsı bir imajını yaratan bir söz yazarıdır.
Prokofiev yaratıcılığı hareketli hedeflere ateş etmekle karşılaştırdığında: "Yalnızca ileriye, yarına nişan alarak, dünün gereksinimleri düzeyinde geride kalmayacaksınız."
Ve tüm hayatı boyunca “ileriyi hedef aldı” ve muhtemelen tam da bu nedenle, hem yaratıcı yükseliş yıllarında hem de son ciddi hastalığı yıllarında yazılan tüm eserleri bizimle kaldı ve devam ediyor. dinleyicilere neşe getir.
Ana kompozisyonlar:
Operalar:
"Oyuncu" (1916)
"Üç Portakal Aşkı" (1919).
"Ateşli Melek" (1927),
"Semyon Kotko" (1939)
"Bir Manastırda Nişan" (1940)
"Savaş ve Barış" (1943)
"Gerçek Bir Adamın Öyküsü" (1948)bale:
"Yedi Soytarıyı Alt Eden Soytarı'nın Öyküsü" (1915)
"Çelik lop" (1925)
"Müsrif Oğul" (1928)
Romeo ve Juliet (1936)
"Külkedisi" (1944)
"Taş Çiçeğin Öyküsü" (1950)orkestra için:
7 senfoni (1917, 1924, 1928, 1930, 1944, 1947, 1952)
Piyano ve orkestra için:
5 konser
keman ve orkestra için:
2 konser
Çok sayıda oda, piyano (9 sonat dahil), vokal eserler.